UNA PERSPECTIVA FUGAZ DE LAS REPRESENTACIONES EN EL MUNDO DEL ROCK

Una buena aportación que resulta bastante interesante, les dejo este singular texto que nos envía Nikki Six (Claudia) y que sin duda, disfrutaran de su contenido tanto como yo, además, se descubren muchas cosas que aunque no las teníamos aterrizadas con el detalle preciso, sabíamos que este arte del que nos habla Claudia, siempre ha existido en los diferentes géneros y que han sido fuertemente explorados y apreciados en la escena del Rock...sin mas preámbulo, hay se los dejo.

By Claudia MG
Madrid 2010

Un nuevo disco de Cathedral The Guessing Game está por salir a la venta. Y de nuevo el trabajo de arte del disco está a cargo de David Patchett el pintor londinense que en buena medida le ha dado una personalidad abstracta y misteriosa a los discos de Cathedral. Por otro lado el disco Traced in air de Cynic, relativamente reciente (2008) tiene también una atmosfera metafísica y mística creada por Robert Venosa. La emoción que me implica ver un trabajo novedoso de Cathedral es un pretexto, en realidad cada que voy a la tienda de discos y veo con detalle las portadas y reviso el nombre de quién ha producido las imágenes que contribuyen al concepto de la obra en los distintos booklet reafirmo la inevitable relación entre el diseño de imágenes gráficas y visuales con la música: específicamente con el mundo del rock-metal.

Todo ese despliegue de colores, formas, texturas, perspectivas y exquisitas sensibilidades correlacionadas con la música: representaciones singulares del mundo son una provocación recurrente en mi imaginario visual y musical. Mucha de la atmosfera obscura, sádica, fantástica, mística o psicodélica producida por las diversas representaciones visuales que se objetivan junto con la música y se vuelven una representación que sintetiza una visión del mundo.
La obra cobra independencia de sus creadores y ésta ya no le pertenece al autor porque en su concreción creativa se vuelve un objeto autónomo, esto es una característica ontológica de una obra de cualquier naturaleza.
Quizá la propuesta del texto, de alguna manera, sugiere la posibilidad de pensar (para los curiosos en el tema) en una historia de las representaciones en el mundo del rock. No se trata de una la historia del rock per se, ni de las imágenes que decoran los disco de rock, sino poner de manifiesto una relación que de por si es evidente. En el devenir de la historia del rock hay una relación estrecha con el mundo del arte y del diseño, porque es en el cruce de estos correlatos que la obra adquiere sentido. En estas ideas se intenta mostrar que las obras plásticas, gráficas o de diseño son un elemento sustancial en la obra musical, que su función no se puede reducir de ninguna manera a un ornamento en un disco de cualquier género del rock, pues estas también están cargadas de significado que impregna a la obra.
Uno de los trabajos más significativos en el mundo del rock de los sesenta es la perspectiva conceptual del trabajo de Syd Barret en Pink Floyd. Para nada es desconocido o extraordinario que la formación de Syd Barred como artista visual en Cambridge le inspirará para hacer de los videos de Arnold Lyne y See Emily Play una tendencia de performance en la que Waters, Mason, Right y el mismo Barret actúan y se sumergen en el juego artístico conceptual. La visón ácida y vanguardista de Barret pretendía vincular los conceptos del arte conceptual y la producción visual y musical: Ser un artista-músico decía Barret. Pero estos no son diálogos separados sino integrados dentro de la misma obra.

A la postre, Pink Floyd se convertiría en el referente más importante en el mundo del rock, porque en cada producción musical les será imposible dejar de rebasarse ellos mismos, condición inevitable del espíritu creador sembrado por Barret. Pues no hay que olvidar que The Wall es un legado fundamental en su obra. No es sólo el tema de las secuelas de la segunda posguerra en la generación de los babyboom, los complejos psicológicos de Pinky, la visión autobiográfica de Waters, la denuncia del Estado fascista como modelo represor, la critica a la emergente sociedad de masa representada como el muro, la efímera y hedonista vida del consumismo de los 60 y 70, la vida desgarrada intentando reconstruirse desde su propio caos. Todo ello no es más que hacer productivo un acontecimiento doloroso de vida. Volvernos críticos en nuestra propia existencia

Semejante a las ideas de Barret. El artista pop neoyorquino Andy Warhol puso su mirada efímera y banal en la escena del rock. Andy Warhol fue el gran padrino de los Velvet Underground. La extraña combinación entre la fama de Carol y el anonimato de los Velvet les lleva a rebasar límites imaginados y hacer de los ensayos, presentaciones o creaciones musicales de los Velvet verdaderas epifanías artísticas.
En sus prestaciones exploraron la experiencia sin precedentes, no eran una simple banda de rock ejecutando música sino un performance. Se trataba de espectáculos multimedia muy elaborados, de un arte experimental que ni Warhol mismo sabía de las implicaciones que estos conciertos happenings-performances plagados de conceptos efímeros tendrían en otras bandas o cantantes de rock de la época. Video imágenes, proyecciones con inevitables explosiones plásticas, psicodélicas y ácidas se convirtieron en un proyecto innovador de Warhol que caracterizó las escenografías delirantes características del rock psicodélico de la época. Pero claro no hay que olvidar que la emblemática banana de la portada del disco Nico de los Velvet Underground se convertiría, desde 1966 y hasta la fecha, en un fascinante fetiche contemporáneo que actualmente se puede encontrar replicado en los circuitos de arte o en algunas exposiciones en museos de arte contemporáneo.
Las visiones ácidas, las pintas psicodélicas callejeras de los hippies y un toque de la sinuosidad del nouveau francés fueron el leif motiv de los diseños de portadas de discos y carteles artísticos para promocionar conciertos de rock masivo en los 60’s: El artista neoyorquino Andy Warhol diseñó la portada del Sticky fingers de los Rolling Stones. Los despachos de publicidad Family Dog Productions y West Wilson diseñaron carteles psicodélicos para anunciar conciertos de las bandas más prominentes del rock de esa época. El diseñador neoyorquino Milton Glaser creó un poster de Bob Dylan que daría la vuelta al mundo y sería reconocido como una de sus carteles más afamados en el mundo del diseño. El artista Martin Sharp hizo la cubierta del Disraeli Gears de The Cream; los artistas ingleses con tendencias del Pop Art, Peter Blake y Jann Haworth, realizaron la portada del primer disco conceptual de los Beatles, Sargent Pepper.

Las portadas de los discos de rock progresivo de viajes psicodélicos, la estridencia de la mirada por la influencia de las drogas alucinógenas manifiestan la fantasía, nostalgia o locura. La obra titulada el hombre esquizofrénico del siglo 21 realizada por el pintor inglés Barry Godber es la portada de uno de los discos más vanguardistas del progresive rock Court of the Crimson King (1969) de King Crimson. La formación artística de Brian Feerry (de Roxy music) y su gran amistad con Richard Hamilton el artista pop más importante de Londres, o la influencia de Barret en Bowie los hacen ser músicos innovadores que en todo momento se irrumpen así mismos. Y que mantienen una intempestuosa relación con las manifestaciones del arte y música de su época.

Pero no todo es amor, paz y LSD, los punk también son vanguardia. Su antagonismo hacia los gustos hippies los lleva a manifestarse de manera radical y propositiva. La relación entre los Sex Pistols, Maclaren (Publicista y manager) y Jamie Reid (artista visual) es la combinación para una revolución anárquica perfecta, en esta se manifiesta una representación radical del mundo imperialista.

La actuación de los Pistols como pubertos enojados con el mundo, los diseños de vestuario extravagantes realizados por Maclaren y la visión de un arte plástico radical de Jamie Reid hace de los Sex Pistols más que una banda un concepto en la música.
La anarquía como tendencia ideológica de vida emanaba en las portadas de los discos de los Pistols, y esta servirá de inspiración para los panfletos informativos y volantes de las tocadas punk hechas por amateurs. Las emblemáticas portadas de Never Mind the bollocks o Anarchy in the U.K de los Pistols son un hito en el arte, el diseño, la música porque Reid desgarra, rompe, recorta, pega letras, superpone imágenes de periódico, fotografías recortadas al tiempo que las destroza, no respeta retículas de la composición, su técnica se parece más a la del collage y décollage pero en violento, radical y absolutamente creativo.
La revistas y panfletos punk, el maquillaje, las imágenes de K. Marx, L. Trosky o Lenin en la ropa, la burla excesiva hacia la imagen de la reina de Inglaterra, las botas Dr. Martin (antes usadas por los soldados), la ropa de mezclilla como símbolo de la clase obrera son elementos paródicos del sistema imperialista. Ahh!! Pero lo que no sabían los punk (y algunos siguen sin saber) es que todo este torrente de creación radical esta fundando un estilo novedoso en el arte y diseño visual y que pronto se le atribuirá a J. Reid ser el creador del diseño gráfico posmoderno, mientras que los Sex Pistols como concepto (Reid, Mclaren y los propios Pistols) se reconocerán como los fundadores de la estética punk europea.
Las vertientes contemporáneas del Metal Music (mi intención es no hacer distinciones de los subgéneros) también tienen una representación singular del mundo. Desde una estética mórbida, sádica, depresiva, nostálgica, fálica, violenta, de amores fallidos, y quizá para algunos muy Gore nos dejan adentrarnos a lo más primitivo de nuestra condición humana. Esta atmosfera es posibilitada en muchos casos por las obras fotográficas del neoyorquino Joel Peter Witkin, del diseñador suizo HR. Giger y del diseñador estadounidense Travis Smith.
Estos artistas-diseñadores muestran que el sentimiento del espíritu humano puede ser movido por la experiencia ilimitada y abismal de lo sublime, sus obras artísticas pueden tocar los límites de la decencia humana antes de volverse una corrosión o torsión perversa del espíritu. Ahh!!! Pues ningún espíritu humano está exento de que ojo el humano muestre su corrupción voyeurista. El disco Been Caught Buttering de Pungent Stench, banda austriaca de Death Metal, recupera la obra El Beso de J. P Witkin un par de rostros muertos besándose para volverla en su portada un pastiche posmoderno. Y quizá también la influencia los pastiches witkinianos se muestran en portadas como For God Your Soul ... For Me Your Flesh (1990) y Ampeuaty (2004) de la misma banda. La mancuerna entre los pastiches de Witkin y los Pungent Stench es sui generis porque la mirada culta, artística y bipolar (pero no por eso peyorativa o prejuiciosa) del fotógrafo neoyorquino manifiesta el carácter pútrido pero honesto del espíritu humano.

La particularidad de las obras de Witkin consiste en que la composición de su obra fotográfica está constituida por cuerpos muertos mutilados, con ellos monta un estudio necrofotográfico (como en los que las parejas de casados o las quinceañeras van a tomarse sus fotos)para montar escenas sensuales y pútridas

Anecdóticamente este fotógrafo cuando vivió en México se sintió tremendamente cómodo porque por medio de módicos sobornos a los médicos forenses conseguía cadáveres para sus montajes fotográficos

No es menos importante la presencia de HR Giger en la atmosfera del metal denso, obscuro y pagano. La portada del disco To mega therion de Celtic Frost, 1985 o titulada por HRG como El Mago (1975); la portada de disco Heartwork de Carcass (1993) o Recibiendo vida (1966) de HRG, la portada de disco How the gods kill de Danzig, 1992 o el maestro y la margarita (1976) de HRG, o la portada del World Misanthropy de Dimmu Borgir y obras deconstruidas para Emerson Lake and Palmer y una multitud de bandas de rock de cualquier género han sido más que el leif motiv de las portadas de discos inspirado por HR. Giger, tal relación es sintomática en el mundo del metal porque más allá de que a las bandas de rock les emociones ver las obras del diseñador suizo saben que su propia creación musical está asociada con ese carácter mundano, etéreo e inasible del diseñador
Lo sublime es el sentimiento más grande que puede experimentar el espíritu humano. Lo grande, la magnificente, lo terrorífico, lo abismal de la muerte visualmente explicitada, la violencia sin prejuicio, los gritos primitivos de lo gutural, lo melódico de la melancolía del amor fallido y aun amado o del amor muerto o nunca realizado, las leyendas y cantos épicos indoeuropeos, los mitos medievales, las gorgonas, brujas y musas como figuras femeninas erotizantes y castradoras de lo masculino, lo sensible de las pasiones más avasalladoras guiadas por la poesía de W. Blake, Baudelaire o Goethe, la bella presencia existencialista de Kafka, la locura de Byron o Wilde: Ohhh!!!belleza pura que inspira al mundo de la estética obscura metalera.
Pero la representación de esta singular belleza ha sido posibilitada por la creación de innumerables trabajos dirigidos por el diseñador estadounidense Travis Smith. El temperamento creativo, poético (en términos aristotélicos) y nostálgico se ha correlacionado con la atmosfera del metal.


Lo que no termino de comprender es si este diseñador es un Warhol del metal, o es el diseñador de moda de las bandas o un simple ilustrador de portadas de discos, en cualquiera de los casos ya es mucho mérito, pero como sea su trabajo ha impresionado a tantas bandas de distintos géneros que hace suponer que su extraordinaria
sensibilidad para sentir y dialogar con la música de las diversas bandas a las que les diseña, respeta de manera muy genuina y original el estilo musical de la banda y su propio estilo creador. Tarea infame que sólo se consigue por medio del trabajo, pues ya lo dijo en mejores palabras el brillante pintor inglés Francis Bacon la inspiración se construye del trabajo constante.
Algunas de las bandas a las que les ha realizado la dirección artística son (agárrense banda!!!): Amorphis, Anathema, Boodbath, Deathsoul Tribe, Demons and Wizard, Diabolical Masquerade, Flotsam and Jetsam, Ice Eart, Katatonia, King Diamond, Nevermore, November’s Doom, Opeth y Overkill, por citar, alfabéticamente, a los más famosos.


Y como olvidar la hipnótica carga de energía de Alex Grey en Tool y la extraordinaria fuente de vida de Robert Venosa. Los dos artistas estadounidenses mantienen un hilo común en la pintura como una manifestación del espíritu humano que se remide a través su pintura luminosa.
Diferente a todo lo anterior, ahora encontramos una representación extraordinariamente vanguardista: un músico-diseñador y un artista o lo que es lo mismo Maynard Guitarrista de Tool y Alex Grey pintor neoyorquino. La sinuosidad e intentos por lo inalcanzable en la relación Grey y Tool es desesperante porque uno nunca termina de entender que sus obras no tienen limite y que siempre están corrompiendo de manera sublime el espíritu humano. Pero aun así no corrompen como lo haría la estética del metal porque lo que aquí hay es una posibilidad creadora para la manifestación plena de las energías humanas. La serie de imágenes estereoscópicas creadas por Grey para el disco Lateralus y 1000 days exhibidas, además en su pequeño museo en Manhattan, y puestas en el disco 1000 days como un claro símbolo del arte objeto representa un estado intermedio al que todo ser se enfrenta entre la vida y muerte. La serie de los Bardo Being son un estado intermedio del alma que se encuentra entre la muerte y el renacimiento, si bien esta obra trata de experimentar el alcance de la realización espiritual metafísica desde una cosmovisión budista (esta misma es representada por las chames indígenas mexicanos, no de a gratis el paso Castaneda experimentado el umbral como la raja de los dos mundos en las enseñanzas de Don Juan), pero esta extraordinaria obra contemporáneamente psicodélica o neo-hippie con una carga brutal de LSD mueve el espíritu de cualquier frígido de la sensibilidad. La obra de Maynard con Tool y Grey es la energía de la vida espiritual que intenta llegar a su pureza.

Si debo ser honesta la obra de Venosa la conocí primero por Cynic. Luego entendí que se retrataba de otro artista espiritual y para algunos surrealistas tardíos de un pintor onírico, pero no de esos chafas que se vuelven charlatanes, sino de los que sienten las vibraciones del agua, de los que intuyen que el espíritu también manifiesta un aura trasparente y plagando de erotismo, sexualidad y belleza andrógina, no es el placer per se sino la sensibilidad metafísica de un cuerpo que se sabe de alma. La energía del cuerpo humano es tan extraordinaria como el torrente inédito de la corriente de un río. No hay nada más bello que escuchar la belleza de Cynic evocando la luz andrógina que proyecta el cuerpo inmaterial que enfocan los trazos en el aire.
Y ahora regreso al inicio, pues al principio era Cathedral y Patchett (http://www.myspace.com/cathedral) . El principal propósito de su pintura es promover la obra fantástica que ha realizado a través de su trayectoria pictórica. El mismo manifiesta que el minimalismo es una forma de pintura de la nada, es austera simplista y aunque su postura es completamente disímbola a la de los artistas del minimalismo quienes piensan que la pintura debe ser acética, pulcra, sin banalidades Patchett no está de acuerdo, quizá por esa contraposición él opta por la promiscuidad, las orgias de las mujeres castigadas y censuradas históricamente, por la exuberancia visual, por la belleza, brillantez y lucidez de los colores, por la claridad de las escenas, por los temas recurrentes en la brujería que son parte del contexto pagano que intenta reafirmar Cathedral, por su amor e influencia manifiesta al Bosco, por todo ello quizá Lee Dorian cuando se monta en un escenario y extraña la presencia de una mujer manifiesta fuertemente que ellas deberían participar de su música porque las mueres-brujas son su inspiración y por eso cuando ve a una disfrutando de su música en un concierto, (ohhhhh entre ellas yo porque ya me enfrente a Lee Dorian) le dedica Hopkins porque asume que la belleza de una mujer no está en su apariencia física sino en la mística oculta que esas bellas y sabias amenazadoras del viejo mundo se enfrentan a un monstruo más temible que el demonio: el sistema eclesial ortodoxo. Y si no me creen fíjense en que la obra de Pathcett creador de la atmosfera pagana de los discos de Cathedral tiene como figura totémica a una mujer.
Llegamos al final. La contribución de artistas plásticos y diseñadores en el rock fue modelar estéticamente la visión contestataria del mundo del rock, en la que no hay entrada para las representaciones canónicas de las imágenes del arte moderno, porque el rock es un movimiento social-cultural posibilitador de nuevas formas de representación en el arte contemporáneo, en el diseño, en la fotografía, en el cine o en el teatro, de la misma manera el mundo las manifestaciones plásticas, gráficas o de diseño también se piensan, irrumpen, desgarran y reconfiguran a través de la música: el rock-metal.
De esta manera el vínculo de las imágenes visuales y el rock se trascienden e irrumpen mutuamente para generar representaciones singulares del mundo. La estética psicodélica, la punk; la estética sombría, nostálgica, mórbida, violenta del metal (con todos sus subgéneros) o la estética delirante de las pinturas energéticas del rock o metal avantgarde son, todas ellas, representaciones de mundos particulares porque se manifiestan con tendencias ideológicas y sensibles de distinta manera, pero manteniendo como punto común el discurso alternativo y radical ante el mundo de las convenciones sociales comunes.